Музей Прадо - С. Суворова (ред.)

В эпоху Возрождения миф о Данае выступал в искусстве как форма художественного обобщения. Тициан неоднократно обращался к этому образу, написал несколько вариантов «Данаи», один по заказу короля Испании.

У аргосского царя Акрисия была красавица-дочь Даная. Дельфийский оракул предсказал царю, что внук лишит его престола. Акрисий заключил дочь в медную башню, куда никто из смертных не мог проникнуть. Но Зевс, пленившись, проник к ней золотым дождем. После родился будущий герой — Персей.

Встреча Данаи и Зевса происходит на фоне заката, мягкие красочные тона как бы растворяются друг в друге. Фигура обнаженной женщины подобна скульптурам Микеланджело «Аврора» и «Ночь» из капеллы Медичи, но колорит картины остается истинно тициановским: краски словно мерцают от пронизывающего света, подчеркивая накал чувств героев.

«Даная» представила художнику возможность создать женский образ, не просто залитый светом, а будто состоящий из него. Сотканная из золотых лучей фигура стала открытием в живописи. Тонкий и плавный переход от светописи к тени, отказ от разделяющих линий положили начало новому творческому периоду 1550-х. «Даная» превратила Тициана из талантливого живописца в гения своей эпохи.

Паоло Веронезе (1528–1588) Венера и Адонис Около 1580. Холст, масло. 162х191

Художественную манеру Веронезе отличают тонкость рисунка, пластичность формы, сложность сочетаний цветов на светоносном фоне. Творчество этого виднейшего живописца венецианской школы подводит итог искусству эпохи Позднего Возрождения.

Адонис, возлюбленный богини любви Венеры, был сыном царя Кипра. Своей красотой он затмевал даже богов-олимпийцев. Когда Адонис погиб на охоте, Зевс пожалел убитую горем Венеру и повелел Аиду на время отпустить красавца из царства умерших. С тех пор Адонис вынужден был вести двойную жизнь.

Влюбленные герои представляют собой смысловой центр картины, а собаки, одна из которых дремлет у ног богини, и играющий с другой Амур наполняют изображение умиротворением. Полотно выполнено в теплой гамме. Густые цвета вечернего неба, зелени листвы и яркое красное одеяние Адониса контрастируют с кремовой белизной обнаженного тела Венеры. В мощном звучании насыщенных красок раскрывается зрелый талант живописца.

Микеланджело Меризи де Караваджо (1571/1573-1610) Давид и Голиаф. Около 1600. Холст, масло. 110х91,3

Караваджо — один из крупнейших мастеров барокко, ставший реформатором европейской живописи XVII века. Ранние работы художника не сохранились, он оставил их в мастерской и бежал из Милана после драки, окончившейся смертью одного из ее участников.

Имена знаменитых древних героев увековечены в библейском рассказе о единоборстве Голиафа с Давидом. Филистимлянский исполин родом из Гефа, Голиаф принадлежал к древнему племени рефаимов. Во время войны с израильтянами он наводил ужас на войско царя Саула. Только у будущего иудейского царя Давида, случайно явившегося в стан иудеев, хватило мужества сразиться с таким страшным врагом. Он поразил его камнем из своей пастушеской пращи.

Эту картину заказал у Караваджо сам кардинал Сципионе Боргезе.

Федерико Бароччи (1535–1612) Рождество Христово 1597. Холст масло. 134x105

Художественное мастерство Бароччи унаследовал от своих отца — скульптора, дяди — архитектора и прадеда — известного миланского ваятеля. Бароччи сформировался в римском кругу последователей Рафаэля, является живописцем эпохи позднего маньеризма.

«Рождество Христово» стоит в ряду замечательных полотен Бароччи на религиозный сюжет. Мастер придает церковной живописи непосредственность эмоционального воздействия, сочетая настроение религиозного экстаза с интимной лиричностью. На заднем плане полотна святой Иосиф отворяет дверь пастухам, но эта деталь лишь подчеркивает близость Богоматери и младенца к зрителю. Образ Марии миловидный и грациозный, ее лицо, окутанное своеобразной дымкой светотени, представляется кукольным. Подушка и яркое покрывало, розовые и шафранные одежды Богородицы сверкают в свете, идущем не извне, а от младенца Христа. Эффектной холодной цветовой гаммой и светотеневыми контрастами мастер демонстрирует свой неповторимый стиль, предвосхитив протобарочные тенденции.

Гвидо Рени (1575–1642) Святой Себастьян Первая половина XVII века. Холст, масло. 170х133

Итальянский живописец Гвидо Рени является приверженцем болонской школы, известен также как гравер.

Одной из самых популярных тем эпохи Возрождения среди живописцев являлось мученичество святого Себастьяна. Это связано, прежде всего, с возможностью изображения обнаженной мужской натуры (не без некоторого эротического обертона). В своей картине «Святой Себастьян» Рени изобразил героя, тело которого пронзили стрелы. Себастьян мучительно изогнулся от боли и устремил свой взгляд в небо. Игра светотени, мастерски используемая художником, придает телу святого более выраженные объемы и фактуру.

Франческо Фурини (1603–1646) Лот и его дочери Около 1635. Холст, масло. 123x120

Итальянский художник Франческо Фурини родился во Флоренции, служил священником в приходе Сант-Ансано ин Муджелло. Здесь он начал писать картины на мифологические и религиозные сюжеты. В произведениях живописца преобладают женские обнаженные фигуры, им свойственен рафинированный, полный эротики идеализм.

В основе сюжета картины Фурини «Лот и его дочери» — миф о порочной связи Лота с дочерьми. По легенде, дочери Лота, оставшиеся без мужей, решили родить потомков от своего отца, напоив его. Сначала в связь вступила старшая дочь, на следующий день — младшая.

Джованни Баттиста Тьеполо (1696–1770) Непорочное зачатие 1767–1769. Холст масло. 281х155

В созданных крупнейшим художником венецианской школы многочисленных фресковых циклах видны новизна мировоззрения и размах художественных начинаний, рожденные веком Просвещения. Тьеполо был замечательным декоратором, расписывал церкви и салоны вилл, залы общественных зданий, создавал алтарные образы. Мастер фресок и гравюр обращался к традиции венецианской культуры XVI столетия.

На картине «Непорочное зачатие» Богородица, под чьими ногами изображен земной шар, парит в небе. Ее окружают ангелы, белый голубь, являющий собой символ Святого Духа, раскрыл свои крылья над головой Девы. Превосходство Богоматери над земным злом олицетворяет пальмовое дерево, которое лежит на переднем плане. Мария попирает ногами змея с яблоком в пасти, символизирующего первородный грех. Постулат о том, что Богоматерь — зеркало всех добродетелей, подтверждает изображенное на полотне зеркало.

Живопись Нидерландов

Иохим Патинир. Ладья Харона. 1520–1524 Рогир ван дер Вейден (около 1400–1464) Снятие с креста. Около 1435. Дерево, масло. 220х262

Стремясь постичь возможность художественного отражения внутреннего мира личности, Вейден стал признанным мастером ранненидерландской живописи.

Одной из вершин европейского изобразительного искусства XV века стало его произведение «Снятие с креста». Этот алтарный образ был заказан живописцу гильдией арбалетчиков Левена. Работа является центральной частью не сохранившегося целиком триптиха. В неглубоком пространстве первого плана, на условном золотом фоне, выделяется группа персонажей, уподобленная красивому живописному барельефу. Их несколько удлиненные и угловатые фигуры связаны друг с другом четким линейным ритмом. Лица и жесты окружающих Христа людей выражают разные оттенки горестных переживаний.

Фигура Девы Марии находится в необычном для нидерландской живописи положении: почти повторяет позу сына. Так Ван дер Вейден нарушил существовавшие каноны и показал безусловную преданность матери. Руки Христа и Девы направлены к черепу Адама — это символ сущности искупления грехов. Фламандский художник заставляет зрителя сопереживать, раскрывая мир чувств своих героев.

Иероним Босх (около 1460–1516) Воз сена 1516. Дерево, масло. 147x212

Иероним Босх — известный нидерландский художник эпохи Северного Возрождения, один из самых загадочных живописцев в истории западного искусства.

В центральной части открытого триптиха «Воз сена» изображена повозка с огромным стогом сена, вокруг которого развиваются все действия и сюжеты картины. Воз влекут семь ужасных полулюдей-полузверей: наполовину львы, собаки, медведи, рыбы, волки. Они символизируют гордыню, деспотизм, жадность, жестокость и другие пороки. За повозкой следуют представители различных сословий, каждый из них стремится ухватить себе сена. Людьми движет жажда наживы, из-за которой они бьют и убивают друг друга. Эти сюжеты представляют собой грехи воровства и распутства. Только сильные мира сего не вмешиваются в драки, потому что этот воз итак принадлежит им. На вершине стога под аккомпанемент служителя Дьявола музицируют люди, за ними стоит, обнявшись, пара влюбленных. В верхней части композиции на золотом облаке изображен наблюдающий за происходящим Всевышний, к милости которого взывает отчаявшийся вразумить людей ангел. Главный мотив картины — человеческая глупость и жадность, из-за которых люди не могут сделать выбор между земными богатствами и возможностью вечно жить в раю.