История искусств. Просто о важном. Стили, направления и течения - Алина Сергеевна Аксёнова

демонстрируют способность линии создавать настроение, эмоцию.

Афиша «Японский диван» – это минимум красок и минимум действия. Но силуэт дамы, очертания музыкальных инструментов и рук дирижёра создают невероятную динамику, несут энергию. Эти рисунки невозможно пересказать, в них нет конкретного действия, но при этом есть звук, движение. Цвета Лотрека локальны – то есть лишены оттенков. Цвет полностью заполняет фигуры, очерченные контурами, как на японских гравюрах. Стоит отметить, что утончённое и хрупкое искусство Японии с его рисовой бумагой, шёлком, лепестками сакуры прочно укоренилось в европейском искусстве. Европа почерпнула из него не только образы, но и само ощущение жизни – такой уязвимой и прекрасной.

Конспект

Постимпрессионизм – это весьма условное название. Оно не обозначает течения с какой-либо общей парадигмой – так называют творчество нескольких художников, которые работали уже после импрессионистов, в последней четверти XIX века.

Поль Сезанн, в противоположность импрессионистам, стремился отобразить устойчивость и монументальность окружающего мира. «Фруктовый сад в Понтуазе» – застывшее безвоздушное пространство, тогда как у импрессионистов оно живое, подвижное, легкое. Картины Сезанна не стремятся отражать действительность. Он всегда четко выстраивает композицию, сочетает в одной картине разные ракурсы и говорит о том, что художник должен писать предметы похожими на геометрические формы. (Этот подход в XX веке станет основой для кубизма.) Пытаясь создать на холсте идеальную «конструкцию», он из раза в раз изображает одни и те же объекты – например, гору святой Виктории.

Живописцев того времени можно назвать беглецами от цивилизации. Винсент Ван Гог – голландец, который писал картины во Франции. Он увлекался японским искусством, его чёткими линиями и яркими красками, но, не имея возможности отправиться в Японию, в поисках яркого цвета поехал в Прованс. Ван Гог использовал цвет субъективно – не для того, чтобы передать реальность, а чтобы выразить свои эмоции и чувства, ею вызванные. Например, желтый был для него цветом радости, а красный зачастую цветом тревоги.

Поисками нового яркого цвета и новых образов занимался и Поль Гоген. Для этого он уехал на колонизированный французами Таити, где надеялся найти новый мир, не тронутый цивилизацией. Его картина «Женщина, держащая плод» должна была ассоциироваться с Евой в райском саду. Гоген мечтал вернуться к дикому, первозданному в искусстве, забыть об академических нормах и возвышенных сюжетах, античных идеалах и христианской морали. Он тоже использует цвет субъективно, но не для выражения эмоций, а ради стремления найти максимальную красоту и гармонию. При этом он легко нарушает привычную логику цвета – море в картине не обязано быть синим, а песок жёлтым.

Анри де Тулуз-Лотрек, в отличии от остальных, жил и работал в Париже. Его искусство – легкое и слегка карикатурное, изображает мир кабаре. Без малейшего осуждения Тулуз-Лотрек фиксирует живое, типичное в мире, который видит вокруг. В отличие от других постимпрессионистов Тулуз-Лотрек был графиком, и он продемонстрировал, что передавать настроение и эмоцию может не только цвет, но и линия. В его работах нет богатства оттенков, он равномерно заполняет цветом контуры фигуры. Вдохновившись японскими гравюрами, Лотрек точно так же выбирает неожиданные ракурсы и композиции для своих рисунков.

Постимпрессионисты заявили о новых возможностях живописи – форме, цвете, линии, сюжете и образе как отражении внутреннего мира художника. Многое из воплощённого этими мастерами было воспринято художниками начала ХХ века, увлечёнными поиском новых идей. Однако постимпрессионизм сохраняет прочную связь и с модерном – стилем, сформировавшимся в 80-е годы XIX века.

Модерн

Желание художников середины и второй половины XIX века обратиться к природе и искать вдохновения в ней, а также поиски новых форм и образов в искусстве привели к появлению нового стиля, названного модерном (во Франции – «ар нуво», в Германии – «югендстиль», в Америке – «стиль Тиффани», в Австрии – «сецессион», в Италии – «либерти»). Время его формирования – конец XIX века, период относительной стабильности и благополучия, когда технологии стремительно развивались, а уровень жизни и благосостояния людей возрастал.

Это привело к активному строительству городских особняков и доходных домов, внешний вид и внутреннее оформление которых должны были составлять единое целое. Этот запрос подтолкнул развитие прикладных искусств, а также повлиял на то, что художник постепенно начал становиться ещё и дизайнером, декоратором. Сильнее всего модерн проявился в архитектуре и декоративно-прикладном искусстве, особенно в мебели и предметах интерьера, женских украшениях, аксессуарах. Многочисленные картины, рисунки и плакаты тоже часто воспринимались как красивая деталь, дополняющая интерьер.

Но несмотря на развитие технологий и рост благосостояния, на рубеже веков началось напряженное осмысление изменений, которым подвергается мир. Это был период шокирующе стремительного движения прогресса, который многими воспринимался как угроза человеку и всему живому. Предчувствие конца прежней европейской цивилизации отразилось и в искусстве.

Эстетической основой стиля модерн и источником вдохновения для художников стали образы и формы природы – как символа прекрасного, но уязвимого мира. Модерн не интересует твёрдое, крепкое и застывшее – его внимание обращено на хрупкое, изящное и тонкое, служащее метафорой непрочности всего вокруг.

Самыми популярными мотивами были цветы, ветви деревьев, птицы и насекомые, а изменчивость мира и быстрое течение жизни воплотились в мотиве волны.

Хрупкость природы, её ускользающая, но при этом вечная красота воплотились в тонких, изогнутых, ассиметрично расположенных линиях – ведь природа, какой её видел модерн, не знает ни симметрии, ни прямых углов. Это можно заметить на всех уровнях: во внешнем декоре зданий, в оформлении интерьеров – обоях, лепнине и т. д; в предметах мебели, украшениях, орнаментах тканей. Часто эти линии одновременно напоминают и ветви деревьев, и стебли растений, и движение волн.

Вышивка Германа Обриста «Удар бича» – это множество линий, сплетённых между собой и красиво изогнутых. Чтобы подчеркнуть уязвимость и изящество природных форм, художники любили изображать длинные тонкие стебли и потому выбирали соответствующие цветы: лилии, маки, ирисы, нарциссы. Тонкая линия в рисунке стала сильнейшим приёмом для создания экспрессивного динамичного образа, как в графике Обри Бёрдслея. Здесь акцент сделан на детали наряда героини, который становится самодостаточным эстетическим элементом. Линии на этом рисунке, длинные и причудливые, нужны не по смыслу, но для красоты.

Этот же приём превращения детали, второстепенного элемента в самостоятельную эстетическую единицу использован и Густавом Климтом в картине «Поцелуй». Герои одеты в золотистые наряды, которые на глазах у зрителя превращаются в орнамент и сливаются с фоном картины.

• Орнаментальность и декоративность, частое отсутствие сюжета, красивые цветовые сочетания – всё это повлияло на то, что живопись и графика модерна до сих пор используются в оформлении разных элементов быта: посуды, одежды, ткани.

Главной героиней модерна стала женщина. Это не значит, что в искусстве не изображались мужчины – просто хрупкость природы, мира, его изящество и красота чаще выражались с помощью женского образа. Австрийский художник Франц фон Штук сделал героиней своей картины библейскую Саломею. Её образ был чрезвычайно популярен в искусстве, наряду с образом Юдифи. По просьбе первой отсекли голову Иоанну Крестителю, вторая сама отрубила голову врагу, желая спасти родной город. Обе были молодыми и привлекательными и обе несли в себе разрушительное начало.

Роковая женщина – прекрасная и несущая смерть, коварная разрушительница – популярнейший образ в искусстве модерна, новый вариант «Прекрасной дамы», соответствующий настроениям конца цивилизации. Эта